Ciclo: “Luz, cámara, Click”, en la Sala Leopoldo Lugones

El Ministerio de Cultura de la Ciudad, a través del Complejo Teatral de Buenos Aires, y la Fundación Cinemateca Argentina, han organizado el ciclo Luz, cámara, click, que se llevará a cabo del miércoles 22 de septiembre al viernes 1° de octubre en la Sala Leopoldo Lugones del Teatro San Martín (Avda. Corrientes 1530, CABA). El programa está integrado por seis largometrajes que abordan la relación entre fotografía y cine, a partir de la obsesión por la imagen y los sujetos delante del lente de la cámara, e incluye clásicos como Blow-Up, un ejemplar extremo del cine sexploitation de los años 70 (Emanuelle en América) y films poco vistos de realizadores de la talla de Andrzej Zulawski y Henri-Georges Clouzot, entre otros.

La muestra de fotografías El espíritu del éxtasis, en la Fotogalería del Teatro San Martín, integra las imágenes atesoradas en el archivo de Fabio Manes –fotos fijas realizadas durante la filmación de películas europeas de las décadas de los 70’ y 80’, en su mayoría pertenecientes al género sexploitation–, con las fotografías de la serie Familias de Alfredo Srur, que documentan las travesías de un grupo de mujeres y hombres envueltos en la “industria” pornográfica argentina de fines del siglo XX y comienzos del XXI. El espíritu del éxtasis puede visitarse de forma presencial de miércoles a domingos de 15 a 20 horas, con entrada libre (según protocolo vigente).

La agenda completa del ciclo es la siguiente:

MIÉRCOLES 22                 
Blow-Up (Reino Unido/Italia, 1966)
Dirección: Michelangelo Antonioni.
Con David Hemmings, Vanessa Redgrave, Sarah Miles.

Adaptación libre del cuento de Julio Cortázar “Las babas del diablo”, Blow-Up narra la historia de un joven fotógrafo que, tras realizar unas tomas en un parque londinense, descubre al revelarlas una forma irreconocible que podría ser el indicio de un asesinato. Además de influir directamente en filmes como El pájaro de las plumas de cristal, de Dario Argento, o La conversación, de Francis Ford Coppola, Blow-Up fue premiada en el Festival de Cannes con la Palma de Oro.
“A diferencia de mis películas anteriores, no hay ninguna historia de amor de Blow-Up (…) La experiencia que atraviesa el protagonista no es ni sentimental ni amorosa, sino que concierne a su relación con el mundo, a su relación con los elementos que él descubre delante de sí mismo” (Michelangelo Antonioni, entrevista publicada en Revista Playboy, Noviembre 1967).
A las 15 y 18 horas (111’)

JUEVES 23                          
El fotógrafo del pánico (Peeping Tom; Reino Unido; 1960)
Dirección: Michael Powell.
Con Carl Boehm, Moira Shearer, Anna Massey.

Cuando Mark Lewis era sólo un niño, su padre lo sometía a terribles experiencias para filmarlas y analizarlas. Esto causó un importante trauma en Mark, que se ha convertido en un joven fotógrafo con un tenebroso objetivo: asesinar a mujeres para poder filmar su agonía.
Peeping Tom pone en cuestión al cine. Michael Powell logra expresar, en función del relato, que el cine no es el arte de la imagen ni el arte del movimiento, sino el arte de la mirada. Su reflexión recae, pues, no sobre el mundo del cine y el oficio de cineasta, sino sobre el sentido del fenómeno cinematográfico. Lo que no excluye una referencia mitológica: la cámara es un ojo, pero también un arma homicida, es decir, la mirada contiene a la muerte. Semejante creencia, aseverada desde siempre por la magia, nos ha dado el mito de la Gorgona (…) La cámara de Mark Lewis, nueva Gorgona, introduce la estructura del doble en el viejo mito. Cada uno es víctima de su propia imagen, reflejada por un espejo parabólico; el miedo del doble, es el miedo hacia sí mismo. Como la risa, este miedo es contagioso, se multiplica por sí mismo. Se tiene miedo al ver que tenemos miedo: Peeping Tom eleva a la categoría de teorema esta regla esencial del cine fantástico: el verdadero miedo, es el miedo del miedo” (Gerard Lenne, El cine fantástico y sus mitologías).
A las 15 y 18 horas (101’)

VIERNES 24                       
La prisionera (La prisonnière; Francia/Italia, 1968)
Dirección: Henri-Georges Clouzot.
Con Laurent Terzieff, Elisabeth Wiener, Bernard Fresson.

Josée, una joven periodista de televisión, comienza una enfermiza relación con el fotógrafo Stanislas Hassler, un maniático del control (casi un autorretrato de Clouzot) cuya biblioteca privada de fotografías sadomasoquistas a la vez la atrae y la repele. Uno de los filmes más desconocidos dentro de la obra de Clouzot, La prisionera reanuda las exploraciones en torno a los efectos visuales que el cineasta inició en su largometraje inacabado L’enfer (1964). La prisionera fue la última película del gran director francés.
“Al enfatizar lo puramente imaginístico por encima de lo narrativo, La prisionera se asemeja más a El misterio Picasso que a sus demás películas (…) La obsesiva coordinación de los colores a lo largo de todo el metraje de La prisionera hace pensar que Clouzot quizás haya sido el más grande cineasta cromático de su época” (David Cairns, The Forgotten: Chains of Love)
A las 15 y 18 horas (105’).

MIÉRCOLES 29                 

Emanuelle en América (Emanuelle in America; Italia, 1977)
Dirección: Joe D’Amato.
Con Laura Gemser, Gabriele Tinti, Roger Browne.

Inspirado por el éxito de los filmes que protagonizó Sylvia Kristel basados en la novela erótica de Emmanuelle Arsan, el director de exploitation Joe D’Amato realizó cinco películas sobre las andanzas de una Emmanuelle afroaemericana: Emanuelle ‘Negra’ (con una sola M) es una sensual reportera gráfica que viaja por el mundo exponiéndose a todo tipo de situaciones peligrosas y de alto voltaje.
Emanuelle en América fue una de las películas más controvertidas de la serie, ya que Joe D’Amato, haciendo gala de su escasez de prejuicios, inmiscuyó a su heroína en una trama de ‘snuff movies’, lo cual hizo correr ríos de tinta. Era la época de los ‘mondo films’, películas que recopilaban escenas de violencia real, y el propio director y sus secuaces corrieron la voz de que las escenas presuntamente ‘snuff’ que Emanuelle visionaba en la película eran reales y habían sido compradas en el mercado negro” (Rubén Lardín, Joe D’Amato-En breve. Festival Internacional de Cine Erótico de Barcelona, 1997)
Esta película contiene escenas de sexo no simulado y violencia explícita que puede afectar la sensibilidad de algunos espectadores.
A las 15 y 18 horas (100’)

JUEVES 30                          

Lo importante es amar (L’important c’est d’aimer; Francia/Italia/Alemania Federal, 1975)
Dirección: Andrzej Zulawski.
Con Romy Schneider, Fabio Testi, Jacques Dutronc, Klaus Kinski.

Servais es un fotógrafo freelance que trabaja en el submundo de la industria pornográfica. Un día conoce a Nadine Chevalier, una actriz de películas eróticas cuyo esposo es un hombre mentalmente desequilibrado. Entre ellos surgirá un intenso triángulo amoroso. Lo importante es amar es una de las mejores películas del realizador polaco Andrzej Zulawski (La tercera parte de la noche; Una mujer poseída).
“¿Puede el amor sobrevivir si no hay deseo? En el filme de Zulawski, no. El cineasta establece una conexión entre la pasión sexual y el deseo artístico. El amor no es solo un fin en sí mismo, sino también el motor que hace posible la creación artística. De ahí la desesperación de los personajes de Zulawski y su temor a perder la inspiración creadora” (Ela Bittencourt, Film Comment Julio-Agosto 2017)
A las 15 y 18 horas (109’)

VIERNES 1° DE OCTUBRE
Los ojos de Laura Mars (Eyes of Laura Mars; EE.UU., 1978)
Dirección: Irvin Kershner.
Con Faye Dunaway, Tommy Lee Jones, Brad Dourif.

Una exitosa fotógrafa de modas, Laura Mars, está teniendo grandes dificultades para realizar su trabajo. Sus amigos y colegas están siendo asesinados por un psicópata. Sin explicación aparente, Laura comienza a tener visiones de los crímenes en el momento que ocurren. La policía no cree su historia, sin embargo, el teniente Neville comienza a interesarse por ella. Los ojos de Laura Mars es un excelente thriller de suspenso, considerado por muchos cinéfilos como una suerte de giallo neoyorkino. La mayor parte de las fotografías que aparecen en la película fueron realizadas por Helmut Newton.
“El guion original de John Carpenter me pareció excesivamente violento. El mundo de la fotografía de modas en el que se desarrolla la historia no estaba en el guion, lo agregué yo. Eso le dio la forma que la película necesitaba. (…) John Carpenter es un director que hace muy buenas películas. Pero son bien distintas al tipo de cine que yo hago. A mí lo que me interesa es el desarrollo de los personajes” (Irvin Kershner, entrevista publicada en Shock Cinema, Spring 2004)
A las 15 y 18 horas (104’)

Cada lunes se ponen a la venta las funciones de la semana.
Entrada general $200. Estudiantes/jubilados $100.
Aforo: 50% de la sala.

Para mayor información y compra de localidades, visite la página del Complejo Teatral de Buenos Aires: www.complejoteatral.gob.ar

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