mega888 Catalina Oliva Archivos - CineramaPlus http://cineramaplus.com.ar/tag/catalina-oliva/ Crítica, análisis y noticias de Cine Mon, 02 Nov 2020 00:34:40 +0000 es hourly 1 https://wordpress.org/?v=6.4.3 218751714 Crítica: Planta Permanente (2019), de Ezequiel Radusky http://cineramaplus.com.ar/critica-planta-permanente-2019-de-ezequiel-radusky/ http://cineramaplus.com.ar/critica-planta-permanente-2019-de-ezequiel-radusky/#respond Mon, 02 Nov 2020 00:34:40 +0000 http://cineramaplus.com.ar/?p=26902 Planta Permanente (Argentina – 2019) Debido a la crisis sanitaria este filme se estrenó a través de la plataforma Cine.ar y Cine.ar TV Dirección: Ezequiel Radusky / Guion: Ezequiel Radusky, Diego Lerman / Producción: Diego Lerman, Nicolás Avruj / Dirección de Fotografía: Lucio Bonelli / Montaje: Valeria Racioppi / Dirección de Arte: Catalina Oliva / Intérpretes: […]

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Planta Permanente (Argentina – 2019)
Debido a la crisis sanitaria este filme se estrenó a través de la plataforma Cine.ar y Cine.ar TV

Dirección: Ezequiel Radusky / Guion: Ezequiel Radusky, Diego Lerman / Producción: Diego Lerman, Nicolás Avruj / Dirección de Fotografía: Lucio Bonelli / Montaje: Valeria Racioppi / Dirección de Arte: Catalina Oliva / Intérpretes: Liliana Juárez, Rosario Bléfari, Verónica Perrotta, Horacio Camandulle, Sol Lugo, Nina Suárez / Duración: 78 minutos.

Ezequiel Radusky (Los dueños) dirige en solitario y coescribe junto a Diego Lerman (Una especie de familia) este filme que aborda la burocracia y la precariedad laboral como las dos caras de una misma moneda. El conflicto estallará a partir de la clausura del comedor de la planta permanente, gestionado por dos amigas (Lili y Marcela) empleadas de limpieza del Ministerio de Obras Públicas de Provincia, que había sido sostenido hasta el final del gobierno anterior. La llegada de la directora de la nueva gestión implementará cambios, es decir, despidos y nuevas contrataciones, además de la clausura del comedor que dejará a Lili y a Marcela en la más absoluta indefensión…

LOS CONDENADOS DE LA TIERRA

En el prólogo del libro Los condenados de la tierra de Frantz Fanon, Jean Paul Sartre plantea que los marginados, los colonizados, los oprimidos, se encuentran acorralados ante las armas de los colonizadores, es decir, los opresores que les apuntan. Esos tremendos impulsos, esos deseos de matar que surgen del fondo de su corazón y que no siempre reconocen, porque no es su propia violencia sino que es la violencia de los colonizadores, que invertida crece dentro de ellos y los desgarra. Esa furia contenida al no estallar gira en redondo y daña a los propios oprimidos…

En resumidas cuentas esta dinámica podría sintetizar la premisa del filme. El ejercicio del poder, a través de la burocracia, encarnada en la nueva directora, como brazo ejecutor de las nuevas políticas que implementará en el organigrama ministerial, se traducirá en despidos y nuevas incorporaciones de su conocimiento, y apuntará a la cabeza de los empleados con certera eficacia. La violencia, ejercida por ella misma, invisible para las víctimas sacrificiales, que ven en ella a una mujer cabal y transparente, es neutralizada por el uso de una dulce voz impostada, una apariencia angelical, y un discurso de evangelista. La hipocresía y el cinismo que se desprenden de su discurso y de su postura pasarán desapercibidos entre los damnificados. A nosotros, los espectadores, nos traerá claras reminiscencias de la gobernadora de la anterior administración.

Lili (Liliana Juárez) junto a su amiga Marcela (Rosario Bléfari) llevan adelante un comedor en una dependencia abandonada dentro del edificio para los empleados del lugar. La nueva directora, interpretada por la uruguaya Verónica Perrota, lleva a cabo una reestructuración de la organización, lo que implicará despidos, la hija de Marcela será reemplazada por la hija de su empleada doméstica. “Los contratados son carne de cañón, más si vienen de una gestión anterior” se rumorea por los pasillos. La directora, en su raid exterminador, recorrerá las dependencias del Ministerio junto con los empleados, y se deshará de todo aquello que ya no sirva o resulte obsoleto, sin importar que sean muebles, carpetas, máquinas tanto así como empleados con el fin de maximizar el espacio físico, en detrimento de la reducción de personal.

El comedor de las dos mujeres será clausurado, irónicamente o como afirma la directora con brutal cinismo, por su condición de informalidad, privándolas de la entrada extra que las ayudaba a redondear sus bajos salarios. Esta violencia camuflada no tardará en hacer estallar el microclima dentro de la repartición, que instalará un aire de sospecha, desconfianza y furia contenida entre los empleados, y muy especialmente, entre las dos amigas. A partir del despido de la hija de Marcela de la Planta Permanente, y del cierre del comedor, Lili y Marcela quedaran tan acorraladas que empezarán a estallar redirigiendo la desconfianza, la furia y su propia impotencia contra ellas mismas. Lo que dejará al descubierto no sólo la precariedad de su mundo laboral sino y sobre todo la fragilidad de las relaciones humanas.

Planta Permanente nos interpela no sólo como espectadores sino como ciudadanos, sujetos, y en muchos casos sujetados al poder omnímodo del Estado bajo precarios lazos de contrataciones informales y empleos temporarios. En este punto el director Raduzky, él mismo con un pasado de empleado público, parecería preguntarnos para qué sirve el Estado. Si su función, como siempre ha ocurrido durante los gobiernos populares, ha sido la de resguardar los derechos de los más vulnerables, o bien, como ha ocurrido tantas veces durante los gobiernos neoliberales, la de vulnerarlos, justamente esos derechos de los más desprotegidos que más deberían reguardar.

En este caso, se hace evidente que el Estado manejado bajo la administración neoliberal tenderá a desarticular iniciativas autogestivas, como es el caso del comedor de planta permanente, enterrando el proyecto de las dos mujeres bajo aplastantes capas de normativas y regulaciones entramadas dentro de un diabólico mundo paralegal, baste como ejemplo la licitación final por el comedor. Un mundo tan perverso como ilegal, del que las mujeres, ajenas a tales manejos, saldrán arrojadas de esa terrorífica maquinaria paraestatal.

Vale la pena ver Planta Permanente no sólo porque muestra una realidad tan ineludible como patética, las relaciones de poder entre opresores y oprimidos dentro de las dependencias públicas, ese hilo tan fino siempre a punto de cortarse que liga a unos con otros, sino además porque nos da la oportunidad de ver a Rosario Bléfari, recientemente fallecida, en su última actuación, y de disfrutar de la magistral interpretación de la tucumana Liliana Juárez.

Sólo a través del uso de ese humor tan negro por el que se han hecho famosos tantos tucumanos, como el mismísimo Raduzky, director del filme, se nos hace posible ver y digerir la pérdida de la dignidad por la falta de trabajo, y el manejo mefistofélico de los burócratas que con tanta crueldad ostentan su poder manejando los hilos de esas vidas tan precarias que penden de ese hilo siempre a punto de cortarse…

Por Gabriela Mársico
@GabrielaMarsico

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Crítica: Lo habrás imaginado (2020), de Victoria Chaya Miranda http://cineramaplus.com.ar/critica-lo-habras-imaginado-2020-de-victoria-chaya-miranda/ http://cineramaplus.com.ar/critica-lo-habras-imaginado-2020-de-victoria-chaya-miranda/#respond Thu, 23 Apr 2020 00:18:21 +0000 http://cineramaplus.com.ar/?p=25018 Lo habrás imaginado (Argentina – 2020) Estreno en  Cine.AR Play. Dirección, Guion y Producción: Victoria Chaya Miranda / Jefa de Producción: Leticia Tapia / Dirección de Fotografía: Sebastian Andres Gallo / Montaje: Nicolás Fedor Sulcic / Dirección de Arte: Catalina Oliva / Música Original: Lula Bertoldi / Intérpretes: Diana Lamas, Carlos Portaluppi, Osmar Nuñez, Mario […]

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Lo habrás imaginado (Argentina – 2020)
Estreno en  Cine.AR Play.

Dirección, Guion y Producción: Victoria Chaya Miranda / Jefa de Producción: Leticia Tapia / Dirección de Fotografía: Sebastian Andres Gallo / Montaje: Nicolás Fedor Sulcic / Dirección de Arte: Catalina Oliva / Música Original: Lula Bertoldi / Intérpretes: Diana Lamas, Carlos Portaluppi, Osmar Nuñez, Mario Pasik, María Ibarreta, Esteban Prol, Gustavo Pardi / Duración: 88 minutos.

APARENTES REVELACIONES

Artículos de diarios, un celular, restos de basura, fotos, documentos y expedientes conviven al costado de un camino solitario y húmedo, como si hubiesen sido borrados del mundo o, peor aún, como si jamás hubiesen existido. Una serie de elementos que parecen, a primera vista, inconexos pero que la cámara se encarga de vincular a través del deslizamiento pausado y detenido. Pronto, Victoria Chaya Miranda evidencia la clave de lectura, donde lo no dicho conduce la trama, los datos se muestran escindidos y los personajes se manifiestan mediante gestos, escasos diálogos y procesos internos. Todos los fragmentos se disponen como componentes oscuros de un rompecabezas audiovisual que pretende (re) construirse con la ayuda del espectador; sin embargo, acaba por traicionar su propia lógica.

En principio, porque los códigos, recursos y temas nunca terminan de explotarse. El excesivo afán por demostrar que todo acto político es personal atenta contra el desarrollo narrativo restándole importancia a la historia y volviendo ligeros o, incluso triviales, los conceptos y acciones que pretende denunciar. La investigación que confirma los vínculos entre empresarios y gobernantes con una red de trata de niños y pedofilia se reduce a una simple excusa, a frases reiterativas que abrazan una suerte de utopía imposible de derribar en medio de la corrupción y de un sistema tan omnipotente que atrae hasta a aquellos que parecen imbatibles. Mientras que se desdibuja por completo el rol de las familias como primer engranaje del circuito ya sea porque originan los abusos, los permiten o, de manera indirecta, actúan como las falsas promesas con las que atrapan a los chicos. En consecuencia, Lo habrás imaginado se desliga de esa cámara lenta del comienzo, de la mirada que analiza y del cuestionamiento permanente hacia las huellas que surgen. Por el contrario, presenta una sucesión de hechos que adquieren escasa repercusión y, enseguida, se olvidan imposibilitando cualquier tipo de toma de consciencia o debate social. Tal es el caso del femicidio que sacude brevemente el curso de las pesquisas y se evapora, a pesar de los vagos intentos de conferirle un valor mayor. Como bien comenta Guillermo en una escena sobre los carteles de drogas, ellos sólo deben concentrarse en los niños y no perseguir otras puntas.

Los personajes tampoco despliegan plenamente las capas que configuran sus procesos internos, sensaciones, estados de ánimo o la carga del pasado. Por momentos se mueven por inercia vaciados de sentido; por otros permanecen en una suerte de limbo entre aquello que pretenden mostrar y lo que expresan, entre quienes creen que son y la manera en que se habitan el mundo. Ángel y Abril son los ejemplos más paradójicos. El primero no puede apropiarse por completo de su poder público y privado, más allá de reconocer que existe y de un breve montaje que lo corrobora. Se desplaza lánguido, como si pidiera permiso para exteriorizar semejante autoridad. ¿Dónde reside la supremacía? ¿Cómo intervienen esos desdoblamientos entre la vida íntima y la figura exitosa? Abril se mantiene tímida y monótona hasta desvanecerse totalmente. Si bien al inicio se pueden establecer algunos puntos de contacto con Alejandra Ferro de la serie televisiva Vidas Robadas puesto que ambas son sometidas mediante estupefacientes para olvidar rostros e información sobre altos mandos de las redes de tráfico –de niños, en un caso; de mujeres, en el otro–, éstos desaparecen debido a los diferentes abordajes. Ferro atraviesa numerosos picos hasta emprender la recuperación con ayuda psiquiátrica que la vuelven dueña de sí otra vez; Abril nunca transita crisis, más allá de una leve ocasión. Repite conductas autodestructivas, desconfía de los demás y calla pero no entran en juego mecanismos que restituyan la distancia entre sus pensamientos y el trauma. ¿Cómo puede exhibir matices si permanece uniforme? ¿Cuál es la finalidad de sugerir que todo es una ilusión si no se pone en tela de juicio que haya existido un tormento previo?  Mientras que la repentina animación que pretende cumplir esa tarea, no hace más que ampliar la brecha ya que opera como una barrera más que media el vínculo, en lugar de habilitar un contacto directo entre mujer y experiencia hasta el punto de bloqueárselo también al público.

En contrapartida, la directora trabaja con suma eficacia la puesta en escena de la casa de la joven y la suerte de fábrica abandonada que funciona como cuartel. El juego entre la amplitud de los ambientes frente a la luz natural o penumbra, los encuadres y la ausencia de detalles personalizados le otorgan la identidad de no lugares, donde oscilan las condiciones de posibilidad entre espacios comunes, emplazamientos creados por la mente o sitios fehacientemente habitados por ellos. Una propuesta que no sólo interactúa con el título, sino también repone los primigenios lazos sobre la lectura del filme. Invitaciones que reclaman miradas atentas y seguimientos analíticos para cuestionar aquello que aparece en pantalla y otorgarle, por fin, la visibilidad y el debate que se merecen.

Por Brenda Caletti
@117Brenn

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Crítica: Tampoco tan grandes (2018), de Federico Sosa http://cineramaplus.com.ar/critica-tampoco-tan-grandes-2018-de-federico-sosa/ http://cineramaplus.com.ar/critica-tampoco-tan-grandes-2018-de-federico-sosa/#respond Mon, 18 Feb 2019 00:14:27 +0000 http://cineramaplus.com.ar/?p=21198 Tampoco tan grandes (Argentina – 2018) Dirección: Federico Sosa / Guión: Máximo Reca / Fotografía: Diego Poleri / Música: Sergei Grosny / Montaje: Alberto Ponce / Dirección de arte: Catalina Oliva / Sonido: Sebastián González / Intérpretes: Paula Reca, Andrés Ciavaglia, Miguel Ángel Solá, María Canale, Tomás Wicz, Chang Sung Kim y Rubén Szuchmacher / […]

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Tampoco tan grandes (Argentina – 2018)

Dirección: Federico Sosa / Guión: Máximo Reca / Fotografía: Diego Poleri / Música: Sergei Grosny / Montaje: Alberto Ponce / Dirección de arte: Catalina Oliva / Sonido: Sebastián González / Intérpretes: Paula Reca, Andrés Ciavaglia, Miguel Ángel Solá, María Canale, Tomás Wicz, Chang Sung Kim y Rubén Szuchmacher / Duración: 79 minutos.

Este es el segundo filme de ficción del director argentino Federico Soca (Yo se lo que envenena) que en sus casi 40 años se inclina por aceptar un proyecto por encargo, el de filmar una pequeña comedia romántica en formato de road movie. Este subgénero tan tradicional de un cine americano clásico y contemporáneo es el universo ideal para plantear un tópico que hace varios años convoca a los espectadores “la adolescencia tardía” o ese último momento en la vida de los personajes en que deben abandonar un cierto estado de ingenuidad eterna para pasar a la conciencia de la adultez y sus paradigmas.

La protagonista es Lola (Paula Reca), la típica joven de casi 30 que está en planes de casarse y pasar a la vida de la madurez y sus tradiciones. Pero ese supuesto plan que ya no parece funcionar idealmente va a colapsar cuando “se entere de las verdades de su vida que aún desconocía”, como buena teenager tardía. Su padre que creía fallecido hace años en realidad ha muerto ahora y le ha dejado una herencia, de esas que para cobrar hay que hacer algún viaje intrincado, delirante y revelador.

Al mismo tiempo se entera de un detalle nada menor, su edad real no es 29 sino 30, y esos 30 años simbolizan el desastre, el dato desencantado de ser grande, pero obvio, tampoco tan grande diría Lola.

Para hacerse del legado de su padre debe viajar a Mar del Plata como parte de un gran recorrido que la lleva hasta el sur de la argentina. Allí se suman al viaje la pareja de su padre, Natalio (Miguel Angel Solá), y quien agenciaría de su ayudante, ya que su futuro esposo está ausente con aviso. La figura clave del binomio de la comedia romántica es Teo, su ex novio (Andrés Ciavaglia) un cineasta algo patético que lleva a su hermana Rita, una adicta en complicado proceso de recuperación (Maria Canale), y así se completan los viajantes del tour.

La relación entre Lola y Leo construye una química acertada para el clima del romance. Los chisporroteos constantes que se generen entre sus dimes y diretes, dan lugar a permanentes tironeos adolescentes y dejan a la vista la complementariedad ideal de estos dos opuestos que se proponen como la pareja inevitable, en sus peleas infantiles definen lo que son, la fantasía que propone el subgénero ser “el uno para el otro” en pleno estado de pelea-reencuentro.

Ambos arman un dueto cómico aceitado y mantiene un timing ágil en casi todas las situaciones, así la fluidez de la comedia circula con bastante frescura. Los personajes de contraste como Rita y Natalio traen otros matices al viaje y sus vicisitudes. No es Rita la que luce muchos grises su condición de adicta en recuperación, y tal vez aún cuando hay pasajes que podrían percibirse como de marcada sensiblería, es Natalio quien propone algunos tonos de emotividad al relato.

Si la propuesta hace algo clave a favor de sí misma es que no desconoce lo que usa como herramientas: el estereotipo, las situaciones previsibles, los evidentes guiños a otros filmes, y la necesaria complicidad del espectador que sabe donde termina toda esta historia.

Tampoco tan grandes no se engrandece, y eso la hace más simpática todavía.

Por Victoria Leven
@LevenVictoria

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Crítica: Anoche (2018), de Paula Manzone y Nicanor Loreti http://cineramaplus.com.ar/critica-anoche-2018-de-paula-manzone-y-nicanor-loreti/ http://cineramaplus.com.ar/critica-anoche-2018-de-paula-manzone-y-nicanor-loreti/#respond Thu, 07 Feb 2019 00:27:42 +0000 http://cineramaplus.com.ar/?p=21131 Anoche (Argentina – 2018) Dirección: Paula Manzone, Nicanor Loreti / Guion: Paula Manzone / Fotografía: Leonel Pazos Scioli / Montaje: Emanuel Flax, Nicanor Loreti / Dirección de arte: Catalina Oliva / Música: Pablo Sala / Producción: Oriana Castro, Nicolás Galvagno, Nicanor Loreti, Paula Manzone, Magdalena Schavelzon, Hori Mentasti, Esteban Mentasti / Intérpretes: Gimena Accardi, Benjamín […]

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Anoche (Argentina – 2018)

Dirección: Paula Manzone, Nicanor Loreti / Guion: Paula Manzone / Fotografía: Leonel Pazos Scioli / Montaje: Emanuel Flax, Nicanor Loreti / Dirección de arte: Catalina Oliva / Música: Pablo Sala / Producción: Oriana Castro, Nicolás Galvagno, Nicanor Loreti, Paula Manzone, Magdalena Schavelzon, Hori Mentasti, Esteban Mentasti / Intérpretes: Gimena Accardi, Benjamín Rojas, Valeria Lois, Diego Velázquez / Duración: 70 minutos.

DERRIBAR A LOS TRES MONOS

¿Saben cómo me siento? Como si hubiera descubierto un secreto”, declara Juan. Ya sea a propósito, en tanto marcación del guion o como sentimiento personal, esa frase se hace bandera para resquebrajar los blindajes de los cuatro personajes –tres de ellos ligados al yo, mientras que el otro a su ausencia– y habilita los primeros matices del autodescubrimiento. Cada uno empieza a visualizarse y a asimilar las palabras del otro para luego transmitir quién es y qué desea. Porque esa madrugada que parece no tener nada especial –ni siquiera como el aniversario de dos años de Pilar y Marcos–, se transforma en un momento revelador individual para romper con las ataduras que les impedían avanzar, que los estancaban en ilusiones extinguidas o que los mantenía invisibles.

Por ese motivo, no es casual que tanto el afiche del filme como el tríptico gigante sobre el sillón reflejen a los llamados tres monos sabios; más bien se trata de subrayar los sentidos vedados de cada uno. Marcos parece un novio ejemplar brindando por ella y su sonrisa, diciéndole que quiere pasar el resto de la vida juntos, pensando en Pilar incluso en la salida con amigos mientras una chica lo miraba con atención, comprándole un regalo para celebrar la fecha o soñando con un bebé. Él cree conocerla en profundidad pero se sorprende cuando ella dice que no quiere hijos aún o toma el vodka sabor melón; incluso, no respeta su caja de recuerdos y hasta le revisa los mails. En realidad está tan ensimismado en un amor obsesivo y avasallador que se olvida de escucharla para descubrirla. Ema, la hermana mayor, no puede superar la ruptura con Juan al punto de que siente que él le oculta información por no entregarle el cuaderno de comunicaciones de la hija de ambos. Tampoco sabe resolver cuestiones simples o cotidianas sola y llama al ex o a la hermana bajo cualquier excusa. Aún menos tiene reparos en minimizar cuestiones que para Pilar fueron complejas o hasta la ridiculiza pensando que es una broma. Ema no puede ver más allá de sí misma y se resiste a quebrar su dependencia para convertirse en una mujer libre.

Juan, ex cuñado, decide ir a lo de Pilar para revelarle lo que detectó después de la pelea y separación con la novia. Sin embargo, no consigue poner en palabras sus emociones –la besa o le agarra un ataque epiléptico–, pensamientos o necesidades más allá del arranca impulsivo de la visita. Por último, Pilar se reprime completamente. Cuando Marcos llega de imprevisto guarda los pochoclos y vomita, no puede evitar que la hermana abra su caja, aprieta los puños con fuerza y recibe largos llamados de la madre sin poder cortarle la charla. Ella sólo se expresa a través de gestos casi imperceptibles, de una mirada triste, cediendo en pos del otro o del silencio en una búsqueda de su propia voz. De hecho, los directores Paula Manzone y Nicanor Loreti proponen cierto juego de materialidades ya que al comienzo todos aparecen por primera vez desde la voz en el portero o desde el celular, salvo Pilar, y después entran en escena, mientras que la cámara se detiene unos segundos con cada uno dentro del ascensor, como si la imagen del espejo retratara a ese nuevo yo liberado de la pesada carga y con una cierta verdad manifiesta.

La primera escena de Anoche evidencia su marcado registro teatral: la pantalla negra, una voz en off que se vuelve más audible lentamente, mientras que la imagen surge de a poco de esa oscuridad. Entonces revela un fondo con papel floral bordó y una luz que entra de algún lugar no revelado, mientras que al frente se divisan las alacenas de la cocina también oscuras y la protagonista como enmarcada por la barra del desayunador, las banquetas y la pared blanca del living que, a la derecha del cuadro, tiene una lámpara de pie prendida y un cuadro de Marilyn Monroe celeste que equilibran la luz del fondo. La mayoría de las escenas están filmadas de la misma forma e incluso las actuaciones y los diálogos poseen huellas teatrales, por ejemplo, la manera en que cuelgan los abrigos en el perchero, el uso del espacio o las pausas a la hora de hablar. Además, el relato se desarrolla enteramente en las diferentes habitaciones del departamento, salvo la breve caminata nocturna, y la cámara se apropia de los espacios para sumarle otro efecto a la puesta en escena.

El secreto se revela de manera fragmentada y singular hacia cada uno de ellos, con la esperanza de que sostengan la búsqueda del nuevo yo, una intención privada y permanente que los aleje de forma definitiva de los atascos o trabas del no ver, no escuchar y no hablar.

Por Brenda Caletti
@117Brenn

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